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1813/Verdi/2013 : Una mapa verdiano
El trayecto de las treinta y dos óperas de Giuseppe Verdi muestra su intención de ofrecer una nueva mirada al género en Italia sobre la tradición establecida. De las convenciones del ‘melodramma’ de principios del siglo XIX al drama musical verdiano. Por Luciano Marra de la Fuente
 


“Va’pensiero” de Nabucco en la producción de Daniele Abbado, Royal Opera House, Covent Garden de Londres, 2013 / Foto de Catherine Ashmore

Si uno estudia la evolución de Giuseppe Verdi, se podría afirmar que uno de sus objetivos fue retratar las emociones humanas de una manera auténtica. En Nabucco (1842) o I lombardi (1843) —las primeras obras con las que se hizo famoso en todo el territorio italiano— predominó el sentimiento patriótico y el coro fue el vehículo para que ese público se identificara, dejando la configuración psicológica de las individualidades generalmente de lado y tratando de amoldar las fórmulas musicales heredadas del bel canto a su propia teatralidad.

El coro en Nabucco, por ejemplo, deja su rol decorativo y circunstancial que podría tener en el melodramma italiano del 1800 y adquiere un rol inaudito para la época. La originalidad melódica, sus variaciones dinámicas y el empuje rítmico, con marcados silencios, le dan un dramatismo característico del autor. El célebre “Va’pensiero” se convirtió, durante la segunda mitad del siglo XIX, en el himno del Risorgimento italiano, símbolo de la unidad italiana que aún tiene sus resonancias en nuestros días.

En esta primera etapa de la producción verdiana, hay una vuelta de tuerca con respecto al empleo de fórmulas estandarizadas para construir introducciones, arias, dúos o finales. Verdi llena esos rígidos esquemas con una lógica dramática para generar un hecho teatral coherente. En sus manos, la forma tradicional belcantista del “aria” en tres movimientos contrastantes (adagio, tempo di mezzo y caballetta) deja de ser sólo un vehículo para el lucimiento vocal en desmedro de la acción dramática: se transforma en un monólogo interior que muestra la complejidad del personaje, con sus creencias y contradicciones, de manera visceral. Y progresivamente los recitativos adquirirían una importancia inusual para transmitir momentos claves de la trama, a través de partes vocales de relevancia e intensa orquestación.

Marcelo Álvarez (Rodolfo), Elena Mosuc (Luisa) y Vitalij Kowaljow (El conde de Walter) en una escena de Luisa Miller, producción de Mario Martone, Teatro Alla Scala de Milán, 2012 / Foto de Marco Brescia & Rudy Amisano

Luego del éxito Nabucco en la Scala, el compositor escribió en menos de diez años once óperas para los principales centros operísticos de Italia como Milán —I lombardi, Giovanna d’Arco (1845)— Venecia —Ernani (1844), Attila (1846)—, Roma —I due Foscari (1844), La battaglia di Legnano (1849)—, Nápoles —Alzira (1845), Luisa Miller (1849)—, Florencia —la primera versión de Macbeth (1847)— y Trieste —Il corsaro (1848), Stiffelio (1850)—. Y también tuvo dos encargos del exterior: uno para la Ópera de París —Jérusalem (1847), la versión grand-opéra de I lombardi— y otro para Her Majesty’s Theatre de Londres —I masnadieri (1847).

Esta alta productividad —que luego Verdi identificaría como sus “años de galera” por escribir un encargo tras otro, paseándose de teatro en teatro con diferentes resultados— es característica de una época en donde los compositores tenían que complacer a un público ávido de “ópera”, el evento social y popular por antonomasia en el heterogéneo territorio italiano. Es probable, sin embargo, que Verdi tomara estos años como un “curso acelerado” de composición operística, donde iba probando diferentes ideas teatrales y musicales, puliendo codo a codo con sus libretistas los textos, buscando un estilo de canto propio y perfeccionando su manera de orquestar.

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Publicado el 30/11/2013
     
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